Realizado por Hugo Gomes, o videoclip do novo single de Samuel Úria desenrola-se por uma série de ilustrações rápidas. Mais do que evidenciar o gosto de Úria pelos rabiscos, mais do que se explicar através de cada desenho filmado, o teledisco tem o seu significado no papel, na captura bidimensional de um mundo pouco dado a profundidades. O nosso mundo.

Em terra de cegos quem tem olho é rei; quem tem visão estereoscópica é forasteiro. Exatamente com esse título, “Forasteiro”, o vídeo segue a mão tridimensional de um estrangeiro que regista (desenha e canta) essa naturalidade achatada que já não lhe serve de pátria.

Primeiro single retirado do próximo álbum de Samuel Úria, esta «Forasteiro» fará então parte de «Grande Medo do Pequeno Mundo», o sexto disco de originais a solo do músico.

Na construção de «Forasteiro», Úria contou com a colaboração dos parceiros Flor Caveira, Jónatas Pires, Filipe Sousa, Miguel Sousa e Tiago Ramos, sem esquecer David Pires e João Só. Gravada por Nélson Carvalho e Tiago de Sousa e produzida pelo primeiro, este promete ser um arranque em força para Samuel Úria, versão 2012.

O vídeo, realizado por Hugo Gomes, pode ser visto já de seguida.

Following the two months long action in the city of Shanghai, VHILS shows to the public his unusual work, chisels-carved walls, acid-engraved metal or laser-cut posters. VHILS’s artwork is a revolution in the stencil technique in its use of unusual tools. Through the destruction of walls, he explores the layers of urban space and its history. Old papers, worn out posters, wood panels, brick walls are attacked with chisels, jackhammer, acid, or explosives, in order to sculpt his stencil on the wall. VHILS’s portraits underline an important contrast between new and ancient ; he makes visible the inside face of these buildings. VHILS tries to give a new face to the city which is, for him, a ground of popular inspirations.

For this first exhibition in China, VHILS invests not only the gallery but also the city. He carves the walls of buildings. VHILS says “it is the ephemeral that captivates me, the transformations and developments in the city”. The exhibition emphasizes the uniqueness of his work and the technical transformations he makes use of.

Finda a exploração das ruas, estruturas e paredes de Xangai, expôs o seu trabalho na Magda Danysz Gallery – espaço dedicado à arte naquela cidade – entre 31 de Março e 6 de Maio. Um belo exemplo de internacionalização e da universidade do trabalho de um dos mais criativos artistas portugueses da actualidade.

Por esta altura estavam nas traseiras de um bar meio manhoso assistindo a um concerto de uns escoceses – precisamente os We Were Promised Jetpacks. A envolvência do próprio local, como já referira, era algo sombria, e a música em muito contribuía para tal. Entre o indie e post rock, com um set rico de bateria, a fazer lembrar em certas partes Battles e as guitarras mais contidas de uns Mogwai ou Explosions in the Sky, We Were Promised Jetpacks apresentavam-se ainda com um vocalista com uma postura algo dormente, cujo o único movimento era, precisamente, o dos lábios. E nesta fusão de estilos, pairava no ar a sonoridade de uns The Killers, dos tempos primordiais de “Hot Fuss“.

Com dois álbuns no reportório por descobrir – “These Four Walls” e “In the Pit of the Stomach” – We Were Promised Jetpacks são daqueles nomes que obrigatoriamente teremos de reter por tudo aquilo que representam. Pelo facto de ter sido o último concerto a que assistimos. Pela envolvência vivida. E, claro está, pela música! Convidamo-vos a fazer o mesmo.

Jimmy Cliff é daqueles nomes que escusa de apresentações. Referência inevitável da cena roots e reggae, o jamaicano apresentou-se em Austin em força. Para além dos concertos que deu em nome próprio, arranjou ainda tempo para dar uma “mãozinha” ao amigo Bruce num tal concerto que já aqui assinalámos.

A solo tivemos a oportunidade de o ver num formato mais acústico durante um pôr do sol que em tudo combinava com os ritmos que por lá passeou. Naquela que foi uma curta actuação, Jimmy Cliff relembrou clássicos, espalhando as boas vibes e justificando a ida das muitas pessoas que se deslocaram ao recinto para encarar um final de tarde com outra serenidade.

Diga-se, em jeito de post-disclaimer, que não serei certamente a melhor pessoa para falar de reggae. Apesar de respeitar o estilo e a importância que teve na música contemporânea, sobretudo em termos rítmicos, há algo em mim que me impede de gostar verdadeiramente do estilo – dir-se-á com razão com o problema é meu, não tenho problemas em assumir – mas naquela tarde, em Austin, fez-me sentido estar ali. Tal e qual como, neste momento, faz sentido ouvir um qualquer greatest hits do autor enquanto termino este texto.

O nome de Grimes – assim se denomina o alter ego de Claire Boucher – não será certamente novidade para aqueles que mais ou menos acompanham o circuito da música pop electrónica ou até experimental – se preferirem. Com alguma rodagem de temas em rádio portuguesas, a canadiana natural de Montreal conseguiu ao terceiro trabalho editado começar a receber a atenção de um público que, naquela tarde, se deslocou em peso ao recinto (também) para a ver.

É certo que, durante os cinco dias de festival, Grimes terá dado uma série de outros concertos mas este, talvez pelo sol “a meio gás” a anunciar um final de tarde que se avizinhava, parecia constituir o cenário ideal para a sua música. Entre a dream pop e batidas electrónicas, por vezes arritmadas, com alguns resquícios de post dubstep, a musicalidade de Grimes está também nas vozes algo longínquas e angelicais que ajudam a criar uma envolvência muito particular.

Introspectiva e serena, Grimes apresentou-se literalmente como mulher dos sete instrumentos. Fazendo-se acompanhar apenas de um teclista em palco, Grimes multiplicava-se no comando de sintetizadores, samplers, entre outros controladores, para além de, está claro, dar a voz e o corpo à actuação.

Num concerto em formato de showcase, que durou pouco mais de 40 minutos, Grimes mostrou o porquê de ser um dos novos nomes mais falados dentro da cena da pop/electrónica. Certo que a canadiana não se esmerou na hora de comunicar com o público mas, sejamos sinceros, a sua música assim o exigia. Nada dos histerismos habituais de “vocês são um máximo” e elogios variados. A Grimes exigia-se sobretudo competência na hora de recriar aquilo que em estúdio produzira, e nesse aspecto não desiludiu.

Vários dos nomes mais interessantes do segundo dia de South By Southwest passaram pelo magnífico palco do Stubbs, um espaço ao ar livre com capacidade para 1800 pessoas, dos mais destacados de Austin, a par, por exemplo, do Austin Music Hall ou do Moody Theater.

A primeira artista a entrar em palco, e talvez a mais esperada, foi Fiona Apple. Seguiram-se Sharon Van Etten, Dan Deacon e um dos grupos que foi considerado a surpresa do festival, os Alabama Shakes, que encantaram com o seu rock que se mistura com blues, e cujo primeiro album, «Boys and Girls», foi lançado já depois do festival.

Mas foquemo-nos no último artista da noite, Andrew Bird. Deixem-me fazer desde logo uma declaração de interesses: para mim o seu terceiro album «& the Mysterious Production of Eggs» alcançou um nível que mais nenhum conseguiu. Dito isto, convém afirmar, sem grande margem para dúvidas, que Andrew Bird não sabe tocar mal.

O concerto começou com «Hole in the Ocean Floor», que serviu para definir a atmosfera do concerto. A simplicidade deste tema também não contrasta com a simplicidade do músico no festival: ao contrário de outros artistas que passam por Austin, não procurou tocar num conjunto alargado de salas, mas sim aplicar-se num único showcase, mais longo que o habitual no festival.

Nessa hora e quinze minutos em que tocou guitarra e violino, além do seu assobio característico, apresentou uma setlist preenchida por músicas do seu último album, «Break It Yourself». Percebemos que não será com este album que se tornará mainstream, nem parece ser esse o objectivo, quando disfrutávamos do seu concerto. A sua lírica complexa seguiu com «Dense Caribe», onde procurou começar a transmitir a alegria que pretendia que continuasse durante todo o concerto (e, já agora, mais além!). Essa boa disposição não se caracteriza por momentos altos, mas por um estado de espírito que a seguinte passagem de «Near Death Experience Experience» transmite: “And we’ll dance like cancer survivors – like we’re grateful simply to be alive.”

Demolido ferozmente por parte da Pitchfork, que os acusou de serem mais um exemplo do proverbial “one trick pony”, o disco foi ainda assim recebido de braços abertos por muita gente, crítica musical incluída. Para o resto do povo, o tal “one trick” foi «Thou Shalt Always Kill».

Ouvida, descarregada e vista umas boas centenas de milhares de vezes por esse mundo fora, esta foi ainda assim a criação musical que catapultou a dupla britânica para as bocas do mundo. Cinco anos depois, e com um remix de Posdnuos dos De La Soul pelo meio, os rapazes decidiram celebrar o seu manifesto musical.

Munindo-se de uma webcam e fazendo uso do site UStream, Dan Le Sac e Scroobius Pip gravaram em directo uma versão inédita e actualizada de «Thou Shalt Always Kill», mantendo durante alguns minutos uma conversa animada com os fãs que com eles iam interagindo.

Para ajudar à festa, partilhamos o vídeo em questão e acrescentamos ainda a gravação de uma actuação completa, na Manchester Academy em Outubro de 2010.

Estamos em Abril, e por terras lusas vivemos uma Primavera tardia. Os céus têm alternado entre o simples e quase veraneante azul e as nuvens de um Inverno que não foi. Os media os senhores da meteorologia oscilam entre a histeria do panorama de seca e a ânsia por uma qualquer chuvada com devidos efeitos apocalípticos. Ainda assim, a não existência de chuva e os céus azuis não são sinónimo de Verão.

Pelos deuses, como nós gostamos do Verão. E gostamos tanto ou tão pouco que não nos importávamos nada que agora fosse o início de Junho e o sol se prolongasse no horizonte combatendo a escuridão pela noite dentro. E de onde nos veio esta nostalgia senhores? É simples, e o culpado de tais ânsias veraneantes é o espanhol Juan Rayos. O método utilizado? A sua série «Endless Roads».

Repartida por quatro episódios, «Endless Roads» relata a viagem da Longboard Girls Crew pelas estradas espanholas. 15 dias, ou 4.300km depois, de costa a costa espanhola. Não sendo nada estranho ao mundo do skate em longboard, através dos seus anteriores trabalhos «Madrid Longboard», «Carving the Mountains» e «Frozen Wave», Rayos documenta aqui uma experiência de vida diferente para sete jovens que, a julgar pelos vídeos, fazem do longboard a sua arte.

Vocês podem ainda assim questionar-se: o que raio sabem vocês no ilícito sobre longboards? Não temam, que nós respondemos. Não sabemos nada. Zero. Niente. Nicles. Ainda assim, não é isso que nos impede de apreciar este belo trabalho, assim como as paisagens, as caras bonitas e os truques em super slow motion.

Agora, nada mais temos a acrescentar, a não ser um conselho para que não deixem de acompanhar Jacky, Valeria, Carlota, Gador, Maitane, Marisa, e Amanda nesta viagem. «Yellow Horizons», «The Island», »Land of Castles» e «Costa da Morte» são os quatro episódios em questão, numa viagem desde as Ilhas Baleares até às estradas da Galiza.

Para mais elementos sobre o trabalho, visitem o Vimeo de Juan Rayos ou o seu Tumblr. Fotos e vídeos em barda. Prometemos que não se vão arrepender. Caso não fiquem satisfeitos, nós prometemos devolver o dinheiro que investiram.

Aquando da sua sessão o realizador Kevin Smith tentava contextualizar a sua visão, do quão invertida a lógica do showbiz consegue ser, relembrando o facto de nunca ter visto um cartaz dedicado dedicada à promoção  de um filme seu exposto ao contrário de um miúdo qualquer do hip-hop: I don’t even recognize the nome of the <palavrão-qualquer>. I think it was Mac something… – terá dito a páginas tantas.

Não é que a acusação de Smith não faça sentido. Faz e muito. Mas neste caso concreto, até podemos dar o braço a torcer pelo Mac Miller, um puto (de 20 anos) que tem tentado crescer num mundo extremamente competitivo como o do Hip-Hop de forma independente apostando numa cadência frenética de divulgação de novo material, sejam eles mixtapes ou video-clips, onde se destacam a qualidade a baixos preços de produção.

E foi precisamente esse um dos propósitos da deslocação do artista natural da Pennsylvania à capital do Texas – o de promover “Macadelic”, quinta mixtape disponibilizada gratuitamente num espaço de dois anos, a poucos dias do seu lançamento.

Por tudo isto confesso que este era, dos novos artistas, um daqueles que mais curiosidade tinha em assistir, mas cedo essa expectativa acabou por se desvanecer. Se em álbum, Miller sabe envolver as suas líricas nos beats concedendo à sua sonoridade uma certa nostalgia que nos faz imediatamente pensar no hip-hop da década de 90, ao vivo tudo se transforma num caos sonoro. Desnecessariamente frenético, Mac Miller vai cuspindo canções atrás de canções, sem qualquer critério onde os gritos – e talvez o excesso de ego – acabam por estragar o momento. Exemplo perfeito disso é a forma como Mac Miller transforma uma música algo nostálgica e introspectiva como a “Best Day Ever” num momento festivo, onde Miller parece mais preocupado em mostrar os seus dotes de metralhadora de rimas. (ver vídeo)

No final fica a sensação de que este miúdo ainda tem muita coisa a aprender, muita estrada para percorrer e concertos para dar. Não nos choca que alguém “apenas” seja bom no estúdio – como em todos os estilos há artistas melhores em palco e outros que se sentem bem é a criar obras primas em estúdio – simplesmente julgamos que, falhar por falhar ao menos que não seja por culpa própria.

E assim, esta dupla surgiu em Austin devidamente acompanhados de um soul orchestra para um par de concertos em conjunto e outros tantos a solo. Nós tivemos a oportunidade de assistir a um desses espectáculos num espaço que de alguma forma era especial, o The Parish, uma espécie de saloon com um espaço de paredes de tijoleira que exibia ornamentos florais e com um tecto de estrutura de madeira com iluminação escassa, elementos que contribuíram bastante para a criação de um ambiente intimista, como se aliás se queria. No total, e numa noite boa, este bar comportaria cerca uma ou duas centenas de pessoas. Esta, contudo, não foi uma dessas noites, num concerto que esteve longe de encher a sala.

Ao vivo, todo o espectáculo estava montado em torno da voz cristalina e soulful de Russel, que lá conduzia um espectáculo que era seu. Diga-se aliás que é precisamente aí que está uma das virtudes de Quantic, enquanto construtor de músicas: o de saber compor um projecto mantendo-se nos “bastidores” e deixando os outros brilhar – once a producer, always a producer – sem nunca, no entanto, deixar o leme do barco.

Navegando pelos caminhos da soul, ora guiado por violinos, ora pelo acordeão, Quantic consegue neste álbum aproximações a ritmos latinos que vão desde o tango à ritmos cubanos, numa mescla colada pelo poder vocal de Russel. Ao vivo, esta mesclagem resulta quase na perfeição.